Anime, manga, webtoon et dessins animés sont souvent regroupés dans une même catégorie, alors qu’ils reposent sur des logiques de création différentes. Si tous racontent des histoires à travers des personnages illustrés, chacun possède ses propres codes narratifs et visuels.

Comprendre ces différences permet de mieux analyser leur fonctionnement et, surtout, de voir comment les artistes construisent leurs personnages.
 

Quatre univers graphiques souvent confondus

 

Le manga, une narration figée mais rythmée

 Le manga est une bande dessinée japonaise, généralement publiée en noir et blanc. Contrairement aux bandes dessinées franco-belges, il se lit de droite à gauche et accorde une place importante au rythme de lecture. Un mangaka ne cherche pas seulement à dessiner de belles illustrations. Il doit guider le regard du lecteur d’une case à l’autre, gérer les temps forts, les moments de silence et les changements de rythme.

Dans One Piece, par exemple, Eiichiro Oda alterne régulièrement entre des doubles pages spectaculaires pour les scènes d’action et des cases beaucoup plus petites lors des dialogues. Cette gestion du découpage participe autant à la narration que le dessin lui-même.
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L’anime, donner vie au dessin

L’anime correspond à une œuvre animée japonaise. Certains sont adaptés de mangas, comme Demon Slayer ou Jujutsu Kaisen, tandis que d’autres sont des créations originales, comme Your Name. Le travail ne consiste plus seulement à dessiner un personnage sous différents angles. Il faut également penser à son animation, à ses déplacements, à ses expressions et à sa manière d’occuper l’espace.

C’est d’ailleurs pour cette raison que certains designs très détaillés dans un manga sont parfois simplifiés dans leur version animée. Chaque élément doit pouvoir être redessiné des centaines, voire des milliers de fois au cours de la production.
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Le webtoon, penser directement pour le digital

Né en Corée du Sud, le webtoon est pensé dès le départ pour une lecture sur écran. Ici, il n’y a plus de pages à tourner. Le lecteur fait défiler l’histoire verticalement avec son téléphone. Cette particularité influence directement la manière dont les scènes sont mises en scène.

Dans Solo Leveling, par exemple, les auteurs utilisent souvent de grands espaces vides entre deux illustrations afin de créer de l’attente ou de renforcer l’effet de surprise avant l’apparition d’un personnage ou d’une scène d’action. Le webtoon est également presque toujours publié en couleur, ce qui modifie fortement l’approche graphique par rapport au manga traditionnel.

 

Les dessins animés, une liberté de styles très large

Le terme « dessins animé » regroupe en réalité des productions très différentes. On y retrouve aussi bien les classiques Disney comme Le Roi lion que des productions plus récentes comme Spider-Man : Across the Spider-Verse, dont la direction artistique mélange animation 3D, effets dessinés à la main et codes issus de la bande dessinée. Contrairement à ce que l’on pense souvent, il n’existe donc pas un seul type de dessin animé. Chaque studio développe sa propre identité visuelle, ses méthodes de travail et sa manière de concevoir les personnages.

C’est ce qui explique pourquoi un personnage Pixar, un héros Disney et un protagoniste de Cartoon Network possèdent des silhouettes, des proportions et des expressions très différentes.
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Comment le character design est pensé dans chaque univers

Derrière chaque personnage marquant se cache un véritable travail de réflexion. Un bon character design, ne consiste pas simplement à dessiner un personnage avec une apparence original : il doit permettre de comprendre qui il est, quel rôle il joue et quelle histoire il porte. Avant même qu’un personnage prononce une seule phrase, certains éléments visuels peuvent déjà transmettre des informations au spectateur. Sa silhouette, ses vêtements, sa posture ou encore ses couleurs participent à construire son identité.
 

💡Le saviez-vous ? Dans l’univers du manga, de l’animation et du jeu vidéo, le terme « chara design » est souvent utilisé comme une version abrégée de « character design », qui désigne la création visuelle d’un personnage.

 

Créer un personnage ne consiste pas seulement à dessiner un visage

Lorsqu’un illustrateur imagine un personnage, il doit réfléchir à bien plus que ses traits physiques. Chaque choix graphique peut avoir une signification. Un personnage aux formes arrondies et aux couleurs douces donnera par exemple une impression différente d’un personnage aux angles marqués et aux couleurs sombres. Les proportions peuvent également influencer la perception du public : un personnage avec une tête plus grande et des formes simplifiées pourra sembler plus attachant, tandis qu’une silhouette plus imposante pourra transmettre davantage de puissance.

Les studios d’animation et les auteurs de manga utilisent constamment ces principes. Dans My Hero Academia, par exemple, les costumes des héros ne servent pas uniquement à les rendre reconnaissables : ils reflètent leurs pouvoirs, leur personnalité et leur évolution.
 

Les éléments qui rendent un personnage reconnaissable

Pour qu’un personnage reste en mémoire, son design doit être suffisamment clair pour être identifié rapidement. La silhouette joue un rôle essentiel. Un personnage doit pouvoir être reconnu même sous forme d’ombre, sans détails ni couleurs. C’est notamment le cas de personnages comme Pikachu ou Totoro, dont la forme générale suffit à les identifier.

Les expressions faciales sont également importantes. Dans les mangas et les animes, le regard occupe souvent une place centrale pour transmettre les émotions, qu’il s’agisse de colère, de tristesse ou d’étonnement.

Enfin, les accessoires, les vêtements ou certains éléments distinctifs permettent de renforcer l’identité du personnage. Une coiffure particulière, une arme, un objet symbolique ou une tenue spécifique peuvent devenir des signatures visuelles.
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Comment apprendre le character design et développer son style ?

Créer des personnages convaincants demande de maîtriser plusieurs bases du dessin, mais aussi de comprendre comment raconter une histoire à travers une image.

• Les écoles d’art et d’illustration : elles permettent de développer les bases du dessin, la création de personnages, la recherche graphique et la construction d’un univers visuel.
• Les formations en arts appliqués : elles abordent le dessin, la composition, la couleur et la conception d’images pour différents secteurs créatifs.
• Les écoles d’animation : elles sont adaptées aux personnes souhaitant créer des personnages pour des films d’animation, des séries ou des jeux vidéo, avec un apprentissage du mouvement et de la narration visuelle.
• Les formations spécialisées en jeu vidéo : elles permettent de se former à la création du héros, créatures et environnements destinés aux univers interactifs.
• Les cursus universitaires en arts plastiques ou design : ils offrent une approche plus théorique et permettent de développer une culture artistique solide.

Et si vous passiez à la création ?

Vous êtes passionné par les mangas, les animes, les webtoons ou les univers graphiques imaginaires et vous souhaitez apprendre à créer vos propres personnages ? La formation à distance d’Illustrateur de l’EDAA vous accompagne dans l’apprentissage de techniques fondamentales du dessin.

À travers des exercices pratiques et un accompagnement pédagogique, vous pourrez développer vos compétences, explorer différents styles graphiques et apprendre à construire des illustrations cohérentes avec votre propre univers artistique.